Von der ersten Fotografie der Ausstellung, der eines jungen Mädchens, das nur mit dem Kopf liegt und einem Blutfaden aus der Nase läuft, bis hin zu den letzten Porträts fast identisch gekleideter junger Frauen, durch die Berliner Stadtlandschaften, die retrospektiven Bilder, die die Reina Sofía Museum gewidmet dem Deutschen Michael Schmidt (1945-2014) vermitteln eine Besorgnis, ein Geheimnis, eine Einladung, sich zu fragen, was hinter dem, was wir sehen, verborgen ist. Autodidaktischer Fotograf, „wenig bekannt in Spanien“, wie der Direktor von Reina Sofía, Manuel Borja-Villel, in der Präsentation an diesem Dienstag sagte, diese Ausstellung mit 340 Bildern, fast ausschließlich in Schwarzweiß, ermöglicht es uns, die Flugbahn zu kennen von fast einem halben Jahrhundert, die darum kämpften, menschenleere Ecken Berlins zu finden und gleichzeitig diejenigen, die die Stadt bewohnten, um ein Wandbild abseits der Vision von Deutschland als einer motorischen Euphorie Europas zu schaffen.

Michel Schmidt. Fotografien 1965-2014, die erste Retrospektive seit dem Tod des Schöpfers, läuft bis zum 28. Februar 2022 und wird von einem Bekannten und Kooperationspartner Schmidts, seinem Fotografenkollegen Thomas Weski, organisiert. „Er hat an einem Stil gearbeitet, bis er ihn beherrschte, und dann beschloss er, ihn aufzugeben“, sagte er. So geht er vom Fotojournalismus zur Abstraktion, von sehr kontrastreichen Bildern zu solchen, die eine ganze Reihe von Grautönen präsentieren. Schmidt wurde im Oktober 1945 in den Trümmern der Bomben des Zweiten Weltkriegs geboren und erlebte die Teilung seiner Stadt und den Bau der kommunistischen Mauer. „Seine Familie lebte im westlichen Teil, aber er hatte sein Geschäft im östlichen Teil. Mit der Mauer kamen sie nicht auf die andere Seite, also verloren sie sie und gerieten in Armut. Deshalb hat Michael eine sehr grundlegende Ausbildung erhalten“, fügte Weski hinzu. Obwohl er seine Ausbildung als Maler begann, führte ihn sein Interesse an der Fotografie dazu, seine Dienste den Behörden verschiedener Stadtteile anzubieten, um städtische und gesellschaftliche Veränderungen zu dokumentieren.

Die erste Kommission war in seinem Wohnbezirk Kreuzberg, wo aufgrund des Mangels an deutschen Arbeitskräften aufgrund der Teilung der Hauptstadt Einwanderer aus Südeuropa ankamen. Er hat es mit einem nüchternen Stil eingefangen, der sich auf Meister der amerikanischen Dokumentarfilmtradition wie Walker Evans bezieht. Unter diesen Bildern, die zwischen 1969 und 1973 entstanden sind, sticht das lächelnde Kinder hervor, die barfuß in einer großen Pfütze am Straßenrand sitzen. Schmidt veröffentlichte diese Arbeit in einem von ihm selbst gestalteten Bestseller, der Keimzelle einer Konstante in seiner Karriere: sich Gedanken darüber zu machen, wie seine Arbeiten präsentiert werden sollen, ob auf Papier oder an Museumswänden. . Die Modelle, Bücher und Kontakte in den Vitrinen der Räume helfen, diesen Prozess zu verstehen. La Reina Sofía hat die Kriterien der Künstlerin respektiert, weshalb sich die Bearbeitung je nach Projekt ändert: Die Bilder haben unterschiedliche Formate, unterschiedliche Rahmen oder manchmal fehlen sie; sie werden in Serien präsentiert … Die Ausstellung ist in Berlin und Paris zu sehen und geht nach Madrid in die Albertina in Wien.

Den ersten Wendepunkt in seiner Karriere setzte Schmidt mit der folgenden Arbeit, einer weiteren Auftragsarbeit zwischen 1976 und 1978 aus dem Kreis Wedding. Er entscheidet sich für eine eher dokumentarische Fotografie, um mit abgestumpften Gesten die Menschen zu Hause zu zeigen, graue Leben in Grautönen. „Michael sagte, das Leben ist keine Party, er wollte die Normalität widerspiegeln, deshalb dominiert in diesen Porträts die Ernsthaftigkeit“, so die Kuratorin. Der Autor theoretisierte dann die Gründe für diese Wette: „Grau ist eine Differenzierungsfarbe, so seltsam es auch klingen mag, und Weiß und Schwarz sind zwei feste Zustände. Ich dachte, die Welt ist nicht klar definiert, sondern wird in mehreren Schattierungen präsentiert. Damit habe ich versucht, das Schwarz-Weiß zu eliminieren.“ Mit dieser Idee fotografiert er Ecken einer Stadt mit bedecktem Himmel und seelenlosem Aspekt und taucht dort in seinem Projekt ein. Berlin nach 45, von 1980, eine Abfolge von Ödland, Gebäude mit abgebrochenen Wänden, fast eine Geisterstadt, eine abstrakte Vision mit einer Großformatkamera.

Schmidt, für den jedes Bild „einen Schock tragen“ musste, bringt sein Engagement für die Fotografie in den Bildungsbereich ein. „Er war schroff, manchmal feindselig wegen seiner offenen Sprache über Fotografie, aber er konnte auch charmant und überzeugend sein“, bemerkte Weski. 1976 war er Mitbegründer einer Erwachsenenfotografie-Werkstatt in einem Kreuzberger Stadtteilzentrum, die sich zu einem Forum für den Gedankenaustausch und Ausstellungen europäischer Fotografen entwickelt hat.

Bezeichnend ist, dass Schmidt mit der deutschen Wiedervereinigung im November 1989 beschloss, sich außerhalb Berlins zu konzentrieren, auch weil er ein Haus auf dem Land kaufte. Dann schuf er, was laut dem Kommissar einer seiner großen Beiträge ist, U-ni-papa, das im MoMA ausgestellt war, in dem er Fotografien machte und mit seinen bisherigen Motiven, Porträts und der Stadt, die deutschen politischen Systeme des 20. Jahrhunderts mit zahlreichen Hinweisen auf die Mauer fortsetzte. Es ist ein dichtes Projekt, das für den Betrachter schwerer zu verdauen ist.

Um die Jahrhundertwende konzentrierte er sich auf junge Deutsche, vor allem auf sie, „weil sie seiner Meinung nach stärker gesellschaftlichen Zwängen ausgesetzt sind“, so Weski. Immer auf der Suche nach neuen Ausdrucksmitteln, trotz der Risiken des Scheiterns, definiert er sich als Fotograf der „Sackgassen“. Sein letztes großes Werk ist Essen, ab 2008, mit dem er mehrere europäische Länder bereiste, um die Lebensmittelindustrie zu dokumentieren. Schmidt verwendete zuerst Farbe, eine Metapher für die Verwendung von Farbstoffen in Lebensmitteln. Im Falle Spaniens Gewächshäuser, Olivenhaine … an anderen Orten haben wir Pasta, Obst, Schlachthöfe, Gewächshäuser reproduziert, um „die Standardisierung dessen, was wir essen“ zu zeigen. Sein Bedürfnis, „einen Prozess der ständigen Wandlung zu leben“, führte er zu Ende, wie er selbst sagte: „Es ist ein vitales Prinzip, das zugleich ein künstlerisches Prinzip ausmacht“.